14 21h45

NINO Pauline Loquès

Entrevista a Pauline Loquès Como chegou ao cinema?
Trabalhei em programas de rádio e televisão, com muitos artistas. Foi uma excelente maneira de observar a indústria por dentro, até ao dia em que também eu me quis expressar. Então, estudei argumento e realizei uma curta-metragem — La Vie de Jeune Fille — que o Canal Arte comprou, dando-me a oportunidade de conhecer a produtora Sandra da Fonseca. Foi ela quem me incentivou a escrever uma longa-metragem.

Como é que nasceram Nino e a constelação de personagens que o rodeiam?
Quando conheci a Sandra, a minha família estava a lidar com a doença de um parente próximo, que tinha um tipo de cancro muito agressivo e que morreu aos 37 anos. O nome dele era Romain e o filme é-lhe dedicado. Fiquei tomada por uma tristeza imensa e um profundo sentimento de injustiça. Então, comecei a escrever para reencontrar a esperança. A personagem de Nino surgiu por acaso, como um encontro aleatório numa esquina. Como se eu tivesse esbarrado nesse jovem de roupas largas, com um jeito de falar hesitante, e que é atingido pela doença. Ele mostrou-me o caminho que a sua viagem seguiria. Escrevi à medida que avançava, seguindo as suas andanças de forma muito instintiva.

A sua história fala directamente com a geração familiarizada com o HPV (Vírus do Papiloma Humano) e o seu rastreio. Porque escolheu o cancro da garganta e como foi o trabalho de pesquisa?
Eu queria escolher um tipo de cancro que afectasse os jovens e pudesse ser curado, porque era importante para mim salvar a minha personagem. Eu estava zangada com a doença; precisava de reinventar a história para restaurar simbolicamente o que ela me tinha tirado. Também queria explorar quaisquer resultados positivos de uma experiência traumática como essa e ver se Nino poderia, de alguma forma, usar isso a seu favor — se ele poderia encontrar um caminho para um futuro melhor. Pesquisei sobre a doença e os protocolos de tratamento, e conversei com especialistas, oncologistas, pacientes e cuidadores. E o que descobri foi que, embora seja uma experiência difícil, as hipóteses de sobrevivência são realmente muito boas.

A sua curta-metragem La Vie de Jeune Fille também aborda uma realidade difícil de aceitar e discutir publicamente. O seu foco é o período inicial de choque, seguido pelo caminho rumo à aceitação?
A capacidade de Nino para falar sobre a sua experiência é ainda mais difícil, porque é a sua garganta que está afectada. Ele está a ser atacado no seu centro da fala e, tal como em La Vie de Jeune Fille, existe esta noção de que as coisas só se tornam reais quando são ditas aos outros. Acho particularmente comovente esta luta para revelar verdades dolorosas aos seus entes queridos. Na minha curta-metragem, a minha heroína criou uma imagem impecável de si mesma e não conseguiu contar às suas amigas que o seu futuro parceiro queria cancelar o casamento. Nino é um personagem modesto confrontado com algo grande demais para ele lidar, abrindo um caminho para a transformação pessoal.

Porque quis abranger apenas os dias antes do início do tratamento?
Estou interessada nesse período, porque raramente é retratado. Já vimos filmes sobre a luta contra uma doença, mas poucos mostram os dias de espera antes do início do tratamento. Sinto-me atraída pela banalidade da vida quotidiana, pelo mundano, e queria explorar esse período de inactividade. Entre esses dois momentos importantes — receber o diagnóstico de cancro e iniciar o tratamento — há dias e noites a passar... como é que alguém lida com isso? Como o meu processo de escrita envolveu acompanhá-lo, gostei da ideia de viver quase em tempo real com ele. É também uma forma de examinar o momento presente, no qual temos tanta dificuldade em habitar quando estamos perdidos em arrependimentos e projecções futuras. É profundamente humano viver na nostalgia ou nos desejos futuros; é raro estar satisfeito exactamente onde se está. Gosto de lutar com estes conceitos.

Em Nino, prevalece uma atmosfera livre, reflectindo a disposição inata da sua personagem, que é interrompida por pequenos acontecimentos firmemente ancorados na realidade...
Quando Nino perde as chaves, é lançado na realidade da cidade e das outras pessoas, já que Paris é um lugar onde é difícil estar sozinho. Nino, que sempre viveu na periferia, refugiando-se em casas de banho e sanitários, choca de frente com a realidade. Referindo-se ao seu nascimento, a sua mãe diz- lhe: «Parecia que estavas a olhar para tudo, mas sem ver nada.» É simplesmente da sua natureza estar no mundo sem se envolver verdadeiramente com ele — até que esta série de pequenos acontecimentos o desperta.

Os seus saltos temporais subtis revelam a comédia dentro do drama. O que inspirou o tom do seu filme?
Para mim, o tom vem mesmo do ritmo. Durante o processo de escrita, pensei em transições de cena que pudessem fazer os espectadores sorrirem. Diverti-me com isso e ajudou a dar ritmo ao filme. O tom está directamente ligado à minha perspectiva sobre a existência, que é ao mesmo tempo cómica e trágica. De um modo geral, nunca consigo aceitar as coisas pelo seu valor nominal — procuro o absurdo dentro da tragédia, como um software com falhas durante um diagnóstico médico sério, por exemplo. Adoro surpresas, pequenos acidentes, deslizes — essa é a beleza da realidade. Comecei pela sua humanidade para escrever as situações e os diálogos.

Na cena do balneário público, quase brinca com o reino da fantasia...
É uma situação que só é possível porque a história se passa em Paris. Pode-se conhecer pessoas e conectar-se com elas instantaneamente. Há também o encanto de um estranho que diz quatro frases memoráveis, deixando-nos a pensar se ele é um lunático, um sábio ou uma aparição. Tentei capturar esse tipo de conexão incomum. Imaginei essa personagem com as características de Mathieu Almaric, e a cena desenvolveu-se naturalmente em torno dele.
O contacto físico é um elemento central do seu filme, sem que isso esteja sempre ligado ao desejo... Sem dúvida que há a ideia de que, como Nino tem dificuldade em falar, a linguagem corporal assume o controlo. Também o imaginei como alguém um pouco entorpecido, como se a energia não estivesse a fluir correctamente pelo seu corpo; mas, à medida que os acontecimentos se desenrolam, ele acorda. Achei interessante as personagens tocarem-se muito mais do que conversarem entre si. Como o corpo de Nino será submetido a tratamentos pesados, talvez ele precisasse passar por essa experiência primeiro.

Durante a cena da festa, a dança de Nino dá uma aparência de transe...
Este é o ponto de viragem do filme. A primeira parte acompanha de perto o que se passa na sua mente; depois, algo dentro dele leva-o a perceber que precisa de seguir um caminho diferente. Na verdade, é logo após esta sequência e a cena da injecção na casa de banho que ele consegue falar com o seu amigo. Também estou a retratar uma geração de jovens urbanos intelectuais, cujos laços sociais são formados principalmente pela conversação, e que permanecem amplamente desconectados da natureza e das sensações físicas em geral.

Qual foi a abordagem para filmar as cenas no hospital?
Inicialmente, quando vemos muito pouco do exterior, não fica claro se Nino está num hospital, numa esquadra da polícia ou num edifício municipal. No fim, eu queria deixar claro que o hospital faria parte da sua realidade e que ele estava totalmente integrado na cidade, nos prédios e na vida à sua volta. Nino está doente e será tratado enquanto continua a viver no seu ambiente habitual. Trabalhámos o quarto onde ele fica para parecer uma maternidade, porque eu queria subverter a ansiedade normalmente associada a hospitais e afastar as impressões negativas que geralmente temos.

A noção de linhagem atravessa o filme, desde a menção ao pai falecido de Nino até ao pequeno copo de amostra que ele tem de encher para garantir as suas hipóteses de um dia se tornar pai...
Nino anda com este pequeno copo sem conseguir enchê-lo. É claro que esta questão o leva a pensar no seu próprio pai. Não analisei isso muito profundamente durante o processo de escrita, mas imaginei que, se o seu pai ainda estivesse vivo, ele certamente o acompanharia à sua primeira sessão de quimioterapia. Imaginei que essa «pessoa de apoio designada» mencionada pelo médico fosse esse pai agora ausente, o que obriga Nino a recorrer a outra pessoa. Eu também queria retratar um homem confrontado com a questão do relógio biológico. Achei isso divertido, já que isso nunca acontece com um homem! A sua luta para ejacular num copinho para preservar a sua chance de ser pai no futuro é um tema central e semelhante a uma bomba-relógio. Esse dilema força-o a amadurecer.

Como mulher, é fácil retratar uma personagem masculina? Como abordou a amizade masculina?
Sim, fiz-me essa pergunta, mas depois pensei em todos os realizadores homens que retrataram mulheres sem muita hesitação! Quanto à amizade entre homens, simplesmente imaginei que a conexão de Nino com Sofiane não seria muito diferente daquela entre o meu melhor amigo e eu. O que me interessa é a resiliência desse vínculo, que transcende o género, na minha opinião. Ao filmar este estudo de personagens masculinas, a minha equipa técnica era composta principalmente por mulheres — directora de fotografia, directora de casting, montadora, directora de arte, anotadora, primeira assistente de realização, directora de produção — e tudo encaixou naturalmente. Elas foram escolhidas pelo seu talento, ética de trabalho e inteligência. Portanto, Nino também é o resultado de um olhar feminino levado a cabo por uma equipa composta principalmente por mulheres.

Uma ternura genuína transparece na forma como retrata as suas personagens, e a maioria das cenas tem um tom caloroso...
Isso provavelmente decorre da minha relação com os actores e com a equipa, que foi muito gentil e atenciosa. O meu método de trabalho baseia-se no amor que tenho pelas pessoas com quem trabalho, e eu realmente adoro actores. Isso influencia a atmosfera durante as filmagens e inevitavelmente transparece no ecrã. Todos os meus actores são pessoas sensíveis e muito atentas uns aos outros. A ternura também vem da iluminação e da paleta de cores do filme, que eu queria que fossem suaves e ligeiramente estilizadas. Como o que realmente importa são as vidas interiores das personagens, não queria que a iluminação as ofuscasse. Por isso, optámos por algo leve e suave, brilhante, mas com uma qualidade pulverulenta, para que os espaços interiores pudessem servir de refúgio da hostilidade da cidade lá fora.

Como foi a selecção do elenco do filme?
Foi a directora de casting, Youna de Peretti, que teve a intuição incrivelmente forte de que eu precisava de conhecer Théodore Pellerin. Além de ser um actor prodigioso e um intérprete genial, Théodore encarna uma infinidade de contrastes fascinantes: ele é sensível e forte, inteligente e primitivo, reservado, mas generoso. Ele cativa sem nunca parecer que está a tentar, o que foi crucial, já que ele está em cena durante todo o filme. Também me senti atraído pelo seu rosto distinto e pela sua constituição física imponente. Eu queria que a vulnerabilidade deste personagem fosse inteiramente interna, com a doença a atacar um corpo aparentemente forte. Para seleccionar o elenco do círculo social de Nino, procurámos actores que fossem não só talentosos, mas também gentis. Eles precisavam de estar dispostos a participar apenas em algumas cenas, e todos amavam Nino tanto que queriam estar lá para ele. Todos eles compartilham uma singularidade e uma personalidade forte, o que era essencial para causar impacto durante o seu breve tempo no ecrã. Salomé Dewaels é pequena em estatura e tem uma aparência jovem, mas na verdade exala um grande poder. Gostei do facto de ela ter impressionado Nino com a sua experiência de vida. Camille Rutherford, que interpreta a sua ex, consegue passar da tristeza à comédia num piscar de olhos. Ela personifica tudo o que vem com uma antiga paixão: memórias ternas ao lado de um ressentimento duradouro... Estelle Meyer encarna simultaneamente a esposa e a mãe. Ela foi a escolha certa para a cena em que a sua personagem se aplica injecções hormonais. A sua presença exala uma essência maternal completamente desprovida de qualquer sexualidade, o que foi inestimável para mim nesta cena. William Lebghil irradia uma ternura tremenda; ele consegue expressar todas as emoções, mesmo as menos nobres, mantendo-se irresistível. Essa qualidade foi essencial para perdoarmos a reacção desajeitada da sua personagem quando Nino lhe conta sobre a sua doença. Jeanne Balibar foi outra escolha óbvia. Ela e Théodore são ligeiramente parecidos. Adoro a excentricidade que Jeanne traz, que reflecte o que eu tinha em mente para esta personagem de mãe afectuosa, mas completamente fora de contacto com a realidade. Para mim, ela destila todas as emoções conflituantes que se pode ter pela própria mãe. Quanto ao homem misterioso e excêntrico que Nino conhece por acaso, eu repetia à minha directora de casting: «Precisamos de encontrar alguém como Mathieu Amalric!» Ele é tão único que acabámos por lhe perguntar directamente... Considero-me sortuda por ele ter aceitado. Mathieu tem um olhar infantil, sempre maravilhado com histórias, personagens, o processo de filmagem...

Qual foi a sua visão como realizadora para este filme?
Eu não queria um estilo totalmente realista, filmado com câmara à mão. Precisávamos de encontrar uma maneira de estar muito próximos de Nino, mas também manter alguma distância, para que os espectadores pudessem sentir que ele não estava sozinho nesta cidade. Algo lhe acontece, mas visto à distância, é apenas uma história entre muitas outras. Isso moldou o resto das decisões de filmagem: estávamos constantemente a perguntar-nos se estávamos com ele sozinho ou com ele e os outros. O filme é uma viagem sem destino fixo, pelo que se tratava de determinar se Nino estava a sentir algo em diferentes situações, com o intuito de encontrar a distância certa. A minha directora de fotografia, Lucie Badinaud, e eu trabalhámos intuitivamente, sem medo de misturar géneros.

Como abordou o desenho de som e a música?
Entre episódios de deriva, as mesmas rotas da cidade apresentam paisagens sonoras diferentes. Isso reflecte a experiência de estar em Paris, onde é possível bloquear toda a agitação ao seu redor quando se concentra numa conversa numa esplanada, ou deixar-se consumir pelo ruído em volta. Eu queria que o público experimentasse a cidade de duas maneiras: às vezes como um amigo que o conforta e abraça, e outras vezes como uma presença insuportável. Brincámos com esses contrastes, criando ambientes sonoros surreais em algumas cenas e amplificando paisagens sonoras urbanas reais em outras. Para a música que acompanha as cenas de errância, inspirei-me no repertório cinematográfico de uma artista de Quebec que adoro, Flore Laurentienne. Seleccionámos peças suaves e um tanto etéreas para acompanhar Nino nas suas divagações. E decidimos pontuar o filme com três faixas dos grupos You!, The Foals e Fontaines D.C. para capturar as explosões de energia e vitalidade que Nino ocasionalmente experiencia.